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我从混音事业中学到的七件事

2018-12-6 09:42| 发布者: camix| 查看: 75| 评论: 0|原作者: Dian Yu Midifan|来自: Midifan

作者:Ian Vargo编译:Dian Yu©BMI.comMalcom Gladwell曾在他2008年出版的Outliner一书中提出:若正确的练习一项特定技能长达10000个小时,便可以成为这项技能的专家(熟能生巧)。虽然他的这项理论最近遭到了 ...

作者:Ian Vargo  编译:Dian Yu

© BMI.com

Malcom Gladwell曾在他2008年出版的Outliner一书中提出:若正确的练习一项特定技能长达10000个小时,便可以成为这项技能的专家(熟能生巧)。虽然他的这项理论最近遭到了批判,但我觉得该理论对于从事音乐制作相关的领域,包括音乐表演,录音,混音以及母带制作,都是有价值的。

经历了三次10000个小时的练习(如果我算对了的话),我已经在某些技能上取得了小小的进步。当然我也感受到了令人欣喜的具有突破性的时刻,就像是以前所学到的部分技能还让人觉得云里雾里,但是通过练习,这些技能突然一瞬间都变的合理了,这个时候,我真切的发现自己“升级”了。

坚持练习使我对声音变得更加敏感,这也是必需的,也绝不会让我变回发现突破之前的自己。在我事业的早期,会大量进行这样的练习。我认为这种练习比较适用于新手。

1.有目的地使用滤波器、频率提升、频率衰减(要根据其他素材进行考量)

早期的时候,我发现均衡器和滤波器并不是万金油。如果你对于频率的提升或衰减没有经过深思熟虑,就草率的进行操作,那就别指望均衡器能对你的素材有什么帮助了。我们都知道,经过效果器、均衡器的修饰可以为某一条音频素材增添色彩或是弥补缺陷,但是这并不代表适用于混音工程中的其他音频素材。因此,使用滤波器或是提升衰减频率需要取决于不同音频素材之间的关系,要注意的是,他们之间的相互关系是十分复杂的。

一般到了混音的尾声,该合并分轨了,我就会重新听一遍我的素材,发现有些素材单独听起来真的很奇怪,主要是该轨的频率或频谱上会奇怪。无论这一轨素材频率是有缺失还是听起来过于明亮,只要它和工程里的其他素材在一起播放的时候能很完美的融合,我们就可以忽视该轨的问题。

一位大学的教授曾激起我对于Dave Moulton的Golden Ears的兴趣,Golden Ears是一个多方面的听力训练。我最喜欢的一个训练是通过均衡器来衰减或者提升粉红噪声的部分频段。这个训练提升了我对于频率的判断能力。在这里,我给大家推荐再一个更加现代、简洁、高质量版本的听力训练:Quiztones(https://theproaudiofiles.com/quiztones/)

2.培养对于声学环境以及监听设备的理解

我的第一套录音设备,是由磁带录音机、雅马哈电脑音箱(现在还在我童年卧室的梳妆台上摆着呢)组成的。后来,就是我的第一套基于电脑的设备,其中最有特色的就是我的(相对)不错的一对监听音箱,当时我把它放在一个比较窄的步入式壁橱里。现在回想起原来那些音响设备听起来是什么效果,还真是挺令人难堪的,但是谁年轻的时候没犯过点儿错儿呢?

我人生的转折点就是第一次在用高级的监听音箱,并且在声学装修的环境中欣赏过音乐之后,便顿悟到用高质量设备监听以及在一个好的声学环境中工作的重要性!直到搬到洛杉矶,听到了Beach Boys在工作室的录音,让我意识到在某些特别的房间中制作音乐,会神奇地赋予作品一种无形的特质。

阅读许多声学相关的文章、期刊、书籍,让我明白声音的科学可以更好地让我们理解音乐是怎么和物质世界进行交互的。所以在我现在的工作室装修搭建时,我花了很多钱在声学装修以及监听设备上,比用在插件上的钱还多出很多,也正是如此,我的作品具有了极为优秀出众的声音效果。

3.了解压缩器的启动时间(Attack)、释放时间(Release)、门限(Threshold)、压缩比(Ratio)

压缩是相对复杂、棘手的音频处理方式之一。我使用了压缩器超过了二十年,仍然还在磕磕绊绊的探索着如何用一些新奇的方式在制作当中使用压缩器。行业中有上百种值得尝试的软件或是硬件的压缩器,在不同的应用当中,每一种压缩器都是具有自己特点的。有些压缩器以简洁、多功能性的用户界面为特点,但是有些真的特别让人困惑。然而一旦学会了这基础的四个压缩器控制参数(我们可以在多数的压缩器界面上看到它们),并且理解四个参数虽然是分离的但是却相互关联的这个概念,就会豁然开朗了,压缩器从未解之谜变成了我最喜欢的音频处理工具之一!

作为声音专业的教授,有很多次,我对学生交上来的混音作品感到非常费解,我发现他们把压缩器插入(Insert)在人声或是类似的轨上,但是却没有启用增益衰减(gain reduction)。这就是“为什么掌握门限和压缩比的概念十分关键”的例子。

我习惯于带着疑问重新听自己的混音作品,因为我混出来的鼓的打击感不像是从前通过的鼓的那种打击感。直到我感觉我好像能把鼓混成喜欢的唱片里的鼓了,我才明白了到底怎么使用压缩器的启动时间和释放时间才能提升打击乐素材的动态范围。

4.干净的信号不一定是好的信号

我原来录音和混音的时候,曾经沉迷于绝对的精准以及完美。极致遵循录音的规则从而捕捉到每一个干净并且细致的细节。我曾录制出你能所想象的最干净的信号。现在,尽管在制作的过程中追求精准和细节是好的,当然了,我们也需要遵循声音的规则才能避免对于音频素材以及设备造成不可弥补的损坏,但是,“完美”是主观的,然而人类创造出来的音乐,天生就不是完美的。

这几年来,我一边发掘着数字音频的强大之处,一边变得对于数字音频内在的这种没有结果的声音感到越来越不愉快。我发现,将模拟硬件的声音瑕疵(sonic imperfections)还有谐波饱和(harmonic saturation)应用到在数字信号上,能够帮助数字音频信号听起来更接近于那些在模拟设备还横行的年代的著名录音作品。

Brad Pack,是本网站的一个同行贡献者,他写了不少很棒的评论文章,是关于仿真氛围效果、模拟硬件做旧的数字插件的。如果你在使用很金贵的模拟设备,还滥用这些数字插件是十分冒险的,因为这些模拟设备有可能会被这些做旧仿真效果的插件调制。

5.听上去自然的声音被人们评价得太高了

几个优秀的音乐家,能演奏出几乎相同美妙的音乐,并且情感都很充沛动人。我们把这些音乐家放在一个完美的房间,专业地录制他们的演奏。我其实爱这种自然的感觉!然而在某一时刻,我发觉到不是所有音乐都注定要有机并且自然的,我的作品反而比声音自然的作品更好。

如果你读过我的文章,你可能会发现我是个披头士的铁杆粉丝。披头士对于我来说简直是太赞了!因为他们能同时听起来像垃圾摇滚乐队,还能像当时那个时代很多高产的音乐剧。尤其是他们中后期那些年,他们的声音听起来并不自然。多数情况下,他们使用的乐器元素也让人们觉得很不自然,仿佛他们更愿意去追寻那些很抽象的声音。

画家们会费尽心思的尽力去把一个物体画的很真实,当然这种绘画方式包含很多艺术价值,但是印象派从来不会觉得“画你所感受的而不是画你所看到的”这种绘画的概念值得去探索,而是最终欣然接受它。

我把这个哲学理论应用到我的工作中,这让我获得了更多的工作机会,并且减少了我的工作压力。好几次我需要在录音时捕捉并维持这种有机的空间的感觉,我就会享受这种类型的音乐制作,我也享受着滤波器强烈的扫过,四层底鼓和军鼓叠加在一起,还享受着主唱充满饱和的音色。

6.在经验丰富的混音工程师身边工作

我坚信即使再多的练习、阅读以及学校的教育也无法和在前辈们身边学习的经验相媲美。我们可以从年长的前辈们身上学到他们的生活方式、工作流程以及他们如何进行练习,这些都是其他学习无法取代的经验。然而这也需要你搬到大城市去寻求机会,如果你正经考虑过要在音频领域大展一番身手的话,这波操作绝对不亏。

和经验丰富的音频工程师一起工作会有机会带你领略一流的录音棚,也会让你体验一把专业级别的工作任务。如果你想继续从事你的事业的话,请务必认认真真地去听听或者看看,一把手是怎么工作的。

7.记住:学无止境

从我决定在大学专修音频专业到学习并且练习音频制作已经七年了。我认为之前受过的教育对我的未来和我的艺术造诣都是有益的。我喜欢那种疯狂学习的感觉,但是意识到虽然我毕业了,学习却还没结束。

我遇到过、合作过很多经验丰富的录音工程师、音乐家还有教育家,我发现他们每一个人无一例外,都是对所有新鲜事物充满好奇与渴望的,在他们所在的领域上不断地在进步。这也是为什么我开始同意那个10000小时定律。当你付出了大量的时间,进行正确的练习,你便会取得巨大的成就,如果你相信自己会成为一名专家的话,就要冒着遏制自己发展潜力的风险去做这件事。

无论是在商业还是在艺术的领域中,技术和美学都在持续进化,用开放的眼光看,你会发现每一件事都是影响成功的关键。

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